Stan Getz & Bill Evans • Verve 833 802-2

Review:

The only studio meeting between Stan Getz and Bill Evans took place over two days in 1964, with the aggressive drummer Elvin Jones and either Richard Davis or Ron Carter on bass. It is peculiar that Verve shelved the results for over a decade before issuing any of the music, though it may have been felt that Getz and Evans hadn't had enough time to achieve the desired chemistry, though there are memorable moments. The punchy take of "My Heart Stood Still," the elegant interpretation of "Grandfather's Waltz," and the lush setting of the show tune "Melinda" all came from the first day's session, with Davis on bass. (Evidently he was unavailable the following day, so Carter replaced him.) Evans' driving, challenging "Funkallero" is the obvious highlight from day two, though the gorgeous "But Beautiful" and the breezy setting of "Night and Day" are also enjoyable. Only the brief version of "Carpetbagger's Theme," which seems badly out of place and suggestive of the label's interference with the session, is a bit of a disappointment. Obviously neither Getz nor Evans liked the tune, as they go through the motions in a very brief performance. [Some reissues add three unissued alternate takes, though additional material from the sessions was included in the box set The Complete Bill Evans on Verve.]

by Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-bill-evans-mw0000194941

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Revisión:

La única reunión de estudio entre Stan Getz y Bill Evans tuvo lugar durante dos días en 1964, con el agresivo baterista Elvin Jones y Richard Davis o Ron Carter al bajo. Es curioso que Verve archivara los resultados durante más de una década antes de publicar la música, aunque puede que se pensara que Getz y Evans no habían tenido tiempo suficiente para lograr la química deseada, aunque hay momentos memorables. La contundente toma de "My Heart Stood Still", la elegante interpretación de "Grandfather's Waltz", y la exuberante puesta en escena de la melodía del espectáculo "Melinda", todo vino de la sesión del primer día, con Davis en el bajo. (Evidentemente no estaba disponible al día siguiente, así que Carter lo reemplazó.) La conducción de Evans, desafiando a "Funkallero" es el obvio punto culminante del segundo día, aunque el magnífico "But Beautiful" y el ambiente ventoso de "Night and Day" también son agradables. Sólo la breve versión de "Carpetbagger's Theme", que parece muy fuera de lugar y sugiere la interferencia de la etiqueta en la sesión, es un poco decepcionante. Obviamente ni a Getz ni a Evans les gustó la melodía, ya que se mueven en una actuación muy breve. [Algunas reediciones añaden tres tomas alternas no emitidas, aunque el material adicional de las sesiones se incluyó en el set de la caja The Complete Bill Evans on Verve.]

por Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-bill-evans-mw0000194941

Wes Montgomery • Tequila

 

On two of the songs included on Tequila, "Tequila" and "The Thumb," Wes Montgomery had an opportunity to jam a bit while backed just by bassist Ron Carter, drummer Grady Tate and the congas of Ray Barretto. The other six selections utilize a string section arranged by Claus Ogerman but, even with a throwaway version of "What the World Needs Now Is Love," there are memorable renditions of "Bumpin' on Sunset" and "Insensatez" that uplift this album quite a bit beyond the guitarist's later A&M recordings.

Artist Biography

Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

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En dos de las canciones incluidas en Tequila, "Tequila" y "The Thumb", Wes Montgomery tuvo la oportunidad de improvisar un poco con el apoyo del bajista Ron Carter, el baterista Grady Tate y las congas de Ray Barretto. Las otras seis selecciones utilizan una sección de cuerdas arreglada por Claus Ogerman pero, incluso con una versión desechable de "What the World Needs Now Is Love", hay memorables versiones de "Bumpin' on Sunset" e "Insensatez" que elevan este álbum bastante más allá de las posteriores grabaciones A&M del guitarrista.

Biografía del artista

Nacido en Indianápolis, Indiana (Estados Unidos) (donde también murió de un ataque cardíaco en 1968), Montgomery provenía de una familia musical, en la que sus hermanos, Monk (contrabajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender melodías complejas y riffs de oído. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Además del uso de las octavas (tocar la misma nota en dos cuerdas con una octava de separación) por el que es ampliamente conocido, Montgomery también fue un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de su solista de una sola nota, octava y bloque de acordes. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery pulsó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando golpes bajos para las notas simples y una combinación de golpes ascendentes y descendentes para los acordes y las octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía un grano en el pulgar, lo que le daba ese punto de sonido. Obtenía un sonido para las partes suaves, y luego ese punto usando el maíz. Es por eso que nadie nunca igualará a Wes. Y su pulgar tenía doble articulación. Podía doblarlo completamente hacia atrás para tocar su muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente."

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson hizo para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador de tubo, a menudo un Fender. En sus últimos años tocaba una Standel.

Montgomery hizo una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en las grabaciones de este período. Posteriormente, Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluía a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, que hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones realizadas por Montgomery y sus hermanos de 1957 a 1959 fueron publicadas en el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959 Montgomery firmó con el sello Riverside Records, y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la compañía quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son consideradas por los aficionados e historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum presentaba una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, normalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz uptempo hard swing y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve dio lugar a una serie de álbumes en los que se presentó con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a moverse en el territorio de la música pop. Una excepción notable es Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos memorables apariciones en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes siguió tocando una excelente guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En él, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para hacer riffs creando un concepto integral de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las pistas de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, parecía haber abandonado por completo el jazz sencillo de su carrera anterior para dedicarse al mercado del pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su período A&M (1967-68) presentan interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos fans y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock 'n' Roll, Soul y Rhythm and Blues. Muchos compositores y compositores le han escrito homenajes musicales, incluyendo Stevie Wonder y Eric Johnson.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator
 

Ron Carter • Finding The Right Notes

 

 

This special PBS soundtrack includes live recordings filmed at the Newport Jazz Festival for Ron's classic piece SOFT WINDS; a surprise bass duet session at The National Jazz Museum in Harlem with the enigmatic Christian McBride on WILLOW WEEP FOR ME; a session at the Blue Note with guitarist Bill Frisell on MY MAN'S GONE NOW; the first live performance of the two great bassists, Stanley Clarke and Ron Carter playing BAG'S GROOVE, also at the Blue Note; and a joyful version of SWEET LORRAINE featuring Jon Batiste, released here for the first time.

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Esta banda sonora especial de PBS incluye grabaciones en vivo filmadas en el Festival de Jazz de Newport para la pieza clásica de Ron SOFT WINDS; una sesión sorpresa de dueto de bajo en el Museo Nacional de Jazz de Harlem con el enigmático Christian McBride en WILLOW WEEP FOR ME; una sesión en The Blue Note con el guitarrista Bill Frisell en MY MAN'S GONE NOW; la primera presentación en vivo de los dos grandes bajistas, Stanley Clarke y Ron Carter tocando BAG'S GROOVE, también en The Blue Note; y una alegre versión de SWEET LORRAINE con Jon Batiste, lanzada aquí por primera vez.

www.roncarterbass.com ...

Freddie Hubbard • First Light

 

 

Review by Thom Jurek
Never one to take lyricism for granted, trumpeter and composer Freddie Hubbard entered Creed Taylor's studio for the third time in 1971 with the express purpose of making a record radically different from anything he'd cut before; he was looking for it to use electricity and to be out of the soul-jazz mold, but was also more ambitious and wanted to push that envelope and himself. Taylor and Hubbard assembled a band that included Herbie Hancock on Rhodes, guitarists Eric Gale and George Benson, bassist Ron Carter, Jack DeJohnette on drums, Airto Moreira on percussion, and Richard Wyands on acoustic piano to back him. The band was also supported by the truly ethereal and adventurous string arrangements of Don Sebesky (a first for Hubbard). The result is a masterpiece of textured sound, gorgeously far-flung charts, sweet, tight grooves, a subtle mystic feel, and some of Hubbard's most exciting playing ever. The title track and Hubbard's ingenious read of Paul and Linda McCartney's "Uncle Albert/ Admiral Halsey," as well as Leonard Bernstein's "Lonely Town," are so in the pocket that they bleed soul. Benson's uncharacteristically edgy guitar playing juxtaposed against Hubbard's warm tone, and Hancock's beautifully modal Rhodes lines that are drenched with big, open, minor chord voicings, are simply made more illustrious and graceful by Sebesky's strings. While Red Clay and Straight Life are both fine albums, First Light is the one that connects on all levels -- and it did with the jazz-buying public as well. A masterpiece.
https://www.allmusic.com/album/first-light-mw0000188197

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Reseña de Thom Jurek
Nunca dando por sentado el lirismo, el trompetista y compositor Freddie Hubbard entró en el estudio de Creed Taylor por tercera vez en 1971 con el propósito expreso de hacer un disco radicalmente diferente a todo lo que había grabado antes; buscaba que usara electricidad y saliera del molde del soul-jazz, pero también era más ambicioso y quería superar ese límite y a él mismo. Taylor y Hubbard formaron una banda que incluía a Herbie Hancock en Rhodes, los guitarristas Eric Gale y George Benson, el bajista Ron Carter, Jack DeJohnette en la batería, Airto Moreira en la percusión y Richard Wyands en el piano acústico para respaldarlo. La banda también fue apoyada por los arreglos de cuerdas verdaderamente etéreos y aventureros de Don Sebesky (una primicia para Hubbard). El resultado es una obra maestra de sonido texturizado, gráficos magníficamente remotos, ritmos dulces y ajustados, una sutil sensación mística y algunas de las interpretaciones más emocionantes de Hubbard. La canción principal y la ingeniosa lectura de Hubbard de "Uncle Albert/ Admiral Halsey" de Paul y Linda McCartney, así como de "Lonely Town" de Leonard Bernstein, están tan en el bolsillo que sangran el alma. La guitarra inusualmente nerviosa de Benson yuxtapuesta al tono cálido de Hubbard, y las hermosas líneas modales de Rhodes de Hancock que están empapadas de voces de acordes grandes, abiertas y menores, simplemente se vuelven más ilustres y elegantes con las cuerdas de Sebesky. Si bien Red Clay y Straight Life son buenos álbumes, First Light es el que conecta en todos los niveles y también lo hizo con el público que compra jazz. Una obra maestra.
https://www.allmusic.com/album/first-light-mw0000188197

The Classical Jazz Quartet • Play Tchaikovsky

Review:

Jazz renditions of classical compositions go way back -- even before jazz, actually, when the procedure was called "ragging the classics." Tchaikovsky has been friendly territory for jazz players from the start with his great self-contained tunes. The Classical Jazz Quartet -- Kenny Barron on piano, Ron Carter on bass, Stefon Harris on vibraphone and marimba, and Lewis Nash on drums -- takes up where the Modern Jazz Quartet of the 1950s left off. This disc was originally released as The Nutcracker Suite; it now reappears as part of a series of CJQ discs, each devoted to a different composer. This entire disc is based on Tchaikovsky's The Nutcracker, whose famous tunes each serve as a basis for a variety of post-bop modern jazz improvisations. Tchaikovsky works as well for this purpose as would popular song melodies (for several of which his music has already served as the source, anyhow). A special pleasure is the vibraphone "Dance of the Mirlitons," (here titled "Mirlitonova"), in which Harris comes to the fore with a strong evocation of the style of Milt Jackson of the Modern Jazz Quartet. With the caveat for classical purists that this is a jazz disc rather than a jazz-flavored performance of Tchaikovsky, this is fusion music that anyone can enjoy at holiday time.

by James Manheim

https://www.allmusic.com/album/the-classical-jazz-quartet-play-tchaikovsky-mw0000016614

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Reseña:

Las interpretaciones de jazz de las composiciones clásicas se remontan a mucho tiempo atrás... incluso antes del jazz, en realidad, cuando el procedimiento se llamaba "ragging the classics". Tchaikovsky ha sido un territorio amigable para los jazzistas desde el principio con sus grandes melodías autónomas. El Cuarteto de Jazz Clásico -- Kenny Barron en el piano, Ron Carter en el bajo, Stefon Harris en el vibráfono y la marimba, y Lewis Nash en la batería -- continúa donde lo dejó el Cuarteto de Jazz Moderno de los años 50. Este disco fue originalmente lanzado como The Nutcracker Suite; ahora reaparece como parte de una serie de discos CJQ, cada uno dedicado a un compositor diferente. Todo este disco está basado en El Cascanueces de Tchaikovsky, cuyas famosas melodías sirven de base para una variedad de improvisaciones de jazz moderno post-bop. Tchaikovsky trabaja tan bien para este propósito como lo harían las melodías de canciones populares (para varias de las cuales su música ya ha servido como fuente, de todos modos). Un placer especial es el vibráfono "Dance of the Mirlitons", (aquí titulado "Mirlitonova"), en el que Harris se destaca con una fuerte evocación del estilo de Milt Jackson del Cuarteto de Jazz Moderno. Con la advertencia para los puristas clásicos de que este es un disco de jazz en lugar de una interpretación con sabor a jazz de Tchaikovsky, esta es la música de fusión que cualquiera puede disfrutar en tiempo de vacaciones.

por James Manheim

https://www.allmusic.com/album/the-classical-jazz-quartet-play-tchaikovsky-mw0000016614

Herbie Hancock • Empyrean Isles

  

Review by Stephen Thomas Erlewine
My Point of View and Inventions and Dimensions found Herbie Hancock exploring the fringes of hard bop, working with a big band and a Latin-flavored percussion section, respectively. On Empyrean Isles, he returns to hard bop, but the results are anything but conventional. Working with cornetist Freddie Hubbard, bassist Ron Carter, and drummer Tony Williams -- a trio just as young and adventurous as he was -- Hancock pushes at the borders of hard bop, finding a brilliantly evocative balance between traditional bop, soul-injected grooves, and experimental, post-modal jazz. Hancock's four original concepts are loosely based on the myths of the Empyrean Isles, and they are designed to push the limits of the band and of hard bop. Even "Cantaloupe Island," well-known for its funky piano riff, takes chances and doesn't just ride the groove. "The Egg," with its minimal melody and extended solo improvisations, is the riskiest number on the record, but it works because each musician spins inventive, challenging solos that defy convention. In comparison, "One Finger Snap" and "Oliloqui Valley" adhere to hard bop conventions, but each song finds the quartet vigorously searching for new sonic territory with convincing fire. That passion informs all of Empyrean Isles, a record that officially established Hancock as a major artist in his own right.

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
My Point of View e Inventions and Dimensions encontraron a Herbie Hancock explorando los márgenes del hard bop, trabajando con una big band y una sección de percusión con sabor latino, respectivamente. En Empyrean Isles, vuelve al hard bop, pero los resultados son todo menos convencionales. Trabajando con el cornetista Freddie Hubbard, el bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams -un trío tan joven y aventurero como él- Hancock empuja las fronteras del hard bop, encontrando un equilibrio brillantemente evocador entre el bop tradicional, los grooves inyectados de alma y el jazz experimental y post-modal. Los cuatro conceptos originales de Hancock se basan libremente en los mitos de las Islas Empíricas, y están diseñados para superar los límites de la banda y del hard bop. Incluso "Cantaloupe Island", conocida por su funky riff de piano, se arriesga y no se limita a seguir el ritmo. "The Egg", con su melodía mínima y sus extensas improvisaciones en solitario, es el número más arriesgado del disco, pero funciona porque cada músico hace solos inventivos y desafiantes que desafían las convenciones. En comparación, "One Finger Snap" y "Oliloqui Valley" se adhieren a las convenciones del hard bop, pero en cada canción el cuarteto busca vigorosamente nuevos territorios sonoros con un fuego convincente. Esa pasión es la base de Empyrean Isles, un disco que ha consolidado oficialmente a Hancock como un artista importante por derecho propio.

 

www.herbiehancock.com ...

Ron Carter • Songs For You

 

Review by Ron Wynn
A change of pace session for Carter. He pairs his formidable basslines and playing against a backdrop of four cellists, outstanding drummer Jack DeJohnette, and at various times pianists Kenny Barron or Leon Pendarvis, guitarist Jay Berliner, and percussionist Ralph McDonald. Things generally work, although sometimes the low energy level and lack of tension threaten to turn this into easy listening material.
https://www.allmusic.com/album/a-song-for-you-mw0000022732

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Reseña de Ron Wynn
Una sesión de cambio de ritmo para Carter. El combina sus formidables líneas de bajo y su forma de tocar con un telón de fondo de cuatro violonchelistas, el destacado baterista Jack DeJohnette, y en varios momentos los pianistas Kenny Barron o Leon Pendarvis, el guitarrista Jay Berliner, y el percusionista Ralph McDonald. En general, las cosas funcionan, aunque a veces el bajo nivel de energía y la falta de tensión amenazan con convertir esto en un material fácil de escuchar.
https://www.discogs.com/es/release/3582796-Ron-Carter-Songs-For-You


www.roncarterbass.com ...
  

David Newman • The Many Facets Of

 

Ron Carter • When Skies Are Grey

 

Review by David R. Adler

This beautiful, Latin-themed album by bass superpower Ron Carter almost can stand in as a Stephen Scott showcase, for the young pianist's verve and finesse are in evidence from start to finish. Carter reserves plenty of solo room (and a number of melody statements) for himself, however. Drummer Harvey Mason and percussionist Steve Kroon work together to create a luxurious, flowing Latin vibe that makes each tune a true listening pleasure. One highlight is the group's slow, polyrhythmic take on Jobim's "Corcovado." Another is a grooving version of Carter's "Loose Change," a tune that appeared in a very different light on Joe Henderson's State of the Tenor album. Scott woos with his bluesy delicacy on "Que Pasa," another Carter original, and swings exuberantly on fellow pianist Ray Bryant's "Cubano Chant." Carter's brief quote of "Seven Steps to Heaven" during the closing original, "Mi Tempo," is enough to make one skip a heartbeat. When Skies Are Grey contains nothing ambitious or wildly innovative -- just great, accessible music. Fans of Stephen Scott in particular can't miss with this one.

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Revisión por David R. Adler

Este hermoso álbum, de temática latina, del superpoder del bajo, Ron Carter, casi puede presentarse como un escaparate de Stephen Scott, ya que el entusiasmo y la delicadeza del joven pianista son evidentes de principio a fin. Sin embargo, Carter se reserva una gran cantidad de habitaciones en solitario (y varias declaraciones de melodías) para él. El baterista Harvey Mason y el percusionista Steve Kroon trabajan juntos para crear un ambiente latino lujoso y fluido que hace que cada melodía sea un verdadero placer de escuchar. Un destaque es la toma lenta y polirrítmica del grupo sobre el "Corcovado" de Jobim. Otra es una versión genial de "Loose Change" de Carter, una melodía que apareció con una luz muy diferente en el álbum State of the Tenor de Joe Henderson. Scott se enamora con su delicadeza blues en "Que Pasa", otro original de Carter, y se balancea exuberantemente en el "Canto Cubano" del también pianista Ray Bryant. La breve cita de Carter de "Siete pasos al cielo" durante el cierre original, "Mi tempo", es suficiente para que uno salte un latido. When Skies Are Grey no contiene nada ambicioso o tremendamente innovador, solo música genial y accesible. Los fans de Stephen Scott, en particular, no se pueden perder con este.

 

www.roncarterbass.com ...

  

Wayne Shorter • The Classic Blue Note Recordings

 

Review from AllMusic:
While this isn't the only Wayne Shorter Blue Note collection, it is the best. The Best of Wayne Shorter, which was released in 1998 within a series of other Blue Note best-ofs that were coming out at the time, is adequate, but with only one disc it's hard to cover any ground with a guy who's recorded around a dozen top-notch records as a leader for Blue Note, and then appeared on scores of others — and that's where this collection wins. The second disc consists of appearances he made alongside such greats as Art Blakey, Lee Morgan, and Freddie Hubbard. Perhaps a Blue Note Wayne Shorter box set is in order? At any rate, "Speak No Evil," "Footprints," "Witch Hunt," and "Nefertiti" prove to highlight Wayne Shorter's astounding career and in turn show off jazz composition in general — as Shorter stands as one of the genre's best songwriters. Recommended as a springboard into the full-length discs these tracks are culled from, The Classic Blue Note Recordings of Wayne Shorter hits the mark.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

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Reseña de AllMusic:
Si bien esta no es la única compilación de Blue Note de Wayne Shorter, sí es la mejor. The Best of Wayne Shorter, publicada en 1998 dentro de una serie de recopilaciones de Blue Note que salían por entonces, es adecuada, pero con un solo disco es difícil cubrir el terreno de un artista que grabó alrededor de una docena de discos de primera categoría como líder para Blue Note, y apareció en decenas más — y ahí es donde esta colección gana. El segundo disco consiste en sus apariciones junto a grandes como Art Blakey, Lee Morgan y Freddie Hubbard. ¿Quizás un box set de Wayne Shorter para Blue Note sea lo que se necesita? En cualquier caso, "Speak No Evil", "Footprints", "Witch Hunt" y "Nefertiti" destacan la asombrosa carrera de Wayne Shorter y a su vez exhiben la composición en el jazz en general — ya que Shorter es uno de los mejores compositores del género. Recomendada como trampolín hacia los discos completos de los que se toman estos temas, The Classic Blue Note Recordings da en el blanco.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

wayneshorter.com ...

Hubert Laws • Laws' Cause

 

 

Internationally renowned flutist Hubert Laws is one of the few classical artists who has also mastered jazz, pop, and rhythm-and-blues genres; moving effortlessly from one repertory to another. He has appeared as a soloist with the New York Philharmonic under Zubin Mehta, with the orchestras of Los Angeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Amsterdam, Japan, Detroit and with the Stanford String Quartet. He has given annual performances at Carnegie Hall, and has performed sold out performances in the Hollywood Bowl with fellow flutist Jean-Pierre Rampal and was a member of the New York Philharmonic and Metropolitan Opera Orchestras. In addition, he has appeared at the Montreux, Playboy, and Kool Jazz festivals; he performed with the Modern Jazz Quartet at the Hollywood Bowl in 1982 and with the Detroit Symphony in 1994. His recordings have won three Grammy nominations.

Mr. Laws has been involved in unique projects such as collaborations with Quincy Jones, Bob James, and Claude Bolling for Neil Simon's comedy California Suite, a collaboration with Earl Klugh and Pat Williams on the music for How to Beat the High Cost of Living: and film scores for The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich, and Spot Marks the X.

There are 20 albums in Mr. Laws' discography for such record companies as: Atlantic, CBS, CTI, including: “My Time Will Come,” and “Storm Then The Calm” for the Music Masters record label.

Session work also remains a staple of Hubert Laws' schedule, and includes collaborations and recordings with such artists as Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic.

In addition, Mr. Laws maintains his own publishing companies, Hulaws Music and Golden Flute Music, and he founded Spirit Productions in 1976 to produce his own albums and those of promising new artists. He was selected the No. 1 flutist in Down Beat readers' polls ten years in a row and was the critic's choice seven consecutive years.

Born in Houston, Mr. Laws' musical education came from various sources. He grew up directly across from a honky- tonk called Miss Mary's Place, his grandfather played the harmonica, and his mother played gospel music on the piano. His classical training got under way in high school. He later enrolled in the music department at Texas Southern University. During this period, he arranged to study privately with Clement Barone who Mr. Laws considers had a profound effect on his development. From there he traveled to Los Angeles with the Jazz Crusaders where he won a scholarship to the Juilliard School of music in New York City. Mr. Laws completed his studies and obtained his degree at the Juilliard School of music in New York City under tutelage of the renowned flutist Julius Baker.

HUBERT LAWS' MUSICAL BACKGROUND
Hubert's musical education has always been an amalgamation. For starters, his boyhood home was directly across the street from an honest-to-goodness honky-tonk, Miss Mary's Place, which still sits on the same spot in Houston's Studewood section. His grandfather played the harmonica and often entertained as a one-man band. His mother, Miola, played gospel music on piano.

The second of eight children in a musical family, Hubert grew up playing rhythm and blues and gospel at dances in the neighborhood. Brother Ronnie and sisters, Eloise and Debra, have all made their mark in the music industry, while sister Blanche has devoted her talent to gospel singing and brother Johnnie has contributed his voice on Hubert's recordings. It's fitting that Hubert's fourth album for Columbia was entitled Family, featuring almost the entire Laws clan.

Starting out on Piano then Mellophone and alto sax, Hubert picked up the flute in high school while volunteering to fill-in on a flute solo performance with his high school orchestra. Music teacher, Clement Barone, is credited with teaching Hubert the fundamentals. During his early teens, Hubert was exposed to jazz by high school band director Sammy Harris at Phillis Wheatley High School. He enjoyed the freedom of improvisation and the creativity allowed by jazz and began playing regularly with a Houston group known variously as the Swingsters, the Modern Jazz Sextet, Night Hawks, the Jazz Crusaders, and more recently, the Crusaders.

After high school, Hubert enrolled in the Music Department at Texas Southern University. After two years there he left with the Crusaders for Los Angeles. This soon became a point of departure to the Juilliard School of Music in New York. Winning a scholarship that would cover the cost of tuition in 1960, Hubert left for New York in a 1950 Plymouth Sedan with $600.00 in his pocket. Fondly remembering the moment he realized his savings would not cover the necessities of life in New York, Hubert recalled, “It was the fall of 1960. I was down to my last fifty bucks and wondering what to do when the phone rang and it was a call offering me my first job at Sugar Ray's Lounge in Harlem. Times were tough then, but, I haven't looked back since.”

Studying all day every day in class or with master flautist Julius Baker, evenings were devoted to gigging for support. Soon Hubert was playing with the likes of Mongo Santamaria, Lloyd Price Big Band, John Lewis of the Modern Jazz Quartet, the Orchestra USA, and the Berkshire Festival Orchestra at Tanglewood — summer home of the Boston Symphony Orchestra.

Recording session work became a staple of Hubert's schedule and included Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry, and J.J. Johnson. During those tough times, the ability to play R&B and jazz enabled him not only to survive, but to thrive. Hubert believes musicians would do well to learn how to play in a variety of musical idioms.
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El flautista de renombre internacional Hubert Laws es uno de los pocos artistas clásicos que también domina los géneros del jazz, el pop y el rhythm-and-blues, pasando sin esfuerzo de un repertorio a otro. Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta, con las orquestas de Los Ángeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Ámsterdam, Japón, Detroit y con el Stanford String Quartet. Ha ofrecido actuaciones anuales en el Carnegie Hall y ha agotado las entradas en el Hollywood Bowl con su colega el flautista Jean-Pierre Rampal y ha sido miembro de las orquestas de la Filarmónica de Nueva York y de la Ópera Metropolitana. Además, ha aparecido en los festivales de Montreux, Playboy y Kool Jazz; actuó con el Modern Jazz Quartet en el Hollywood Bowl en 1982 y con la Detroit Symphony en 1994. Sus grabaciones han obtenido tres nominaciones a los Grammy.

El Sr. Laws ha participado en proyectos únicos como las colaboraciones con Quincy Jones, Bob James y Claude Bolling para la comedia de Neil Simon California Suite, una colaboración con Earl Klugh y Pat Williams en la música de How to Beat the High Cost of Living: y partituras de películas como The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich y Spot Marks the X.

Hay 20 álbumes en la discografía del Sr. Laws para compañías discográficas como: Atlantic, CBS, CTI, incluyendo: "My Time Will Come", y "Storm Then The Calm" para el sello discográfico Music Masters.

El trabajo de sesión también sigue siendo un elemento básico en la agenda de Hubert Laws, e incluye colaboraciones y grabaciones con artistas como Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York.

Además, el Sr. Laws mantiene sus propias editoriales, Hulaws Music y Golden Flute Music, y fundó Spirit Productions en 1976 para producir sus propios álbumes y los de nuevos artistas prometedores. Fue elegido el flautista número 1 en las encuestas de los lectores de Down Beat durante diez años consecutivos y fue la elección de la crítica durante siete años consecutivos.

Nacido en Houston, la educación musical del Sr. Laws provino de varias fuentes. Creció justo enfrente de un honky-tonk llamado Miss Mary's Place, su abuelo tocaba la armónica y su madre tocaba música gospel en el piano. Su formación clásica comenzó en el instituto. Más tarde se matriculó en el departamento de música de la Texas Southern University. Durante este periodo, consiguió estudiar en privado con Clement Barone, quien el Sr. Laws considera que tuvo un profundo efecto en su desarrollo. Desde allí viajó a Los Ángeles con los Jazz Crusaders, donde ganó una beca para la Juilliard School of music de Nueva York. El Sr. Laws completó sus estudios y obtuvo su título en la Juilliard School of music de Nueva York bajo la tutela del renombrado flautista Julius Baker.

FORMACIÓN MUSICAL DE HUBERT LAWS
La educación musical de Hubert siempre ha sido una amalgama. Para empezar, su casa de la infancia estaba justo enfrente de un honky-tonk de verdad, Miss Mary's Place, que todavía se encuentra en el mismo lugar en el barrio de Studewood de Houston. Su abuelo tocaba la armónica y a menudo actuaba como un solo hombre orquesta. Su madre, Miola, tocaba la música gospel al piano.

Hubert, el segundo de ocho hijos de una familia de músicos, creció tocando rhythm and blues y gospel en los bailes del barrio. Su hermano Ronnie y sus hermanas, Eloise y Debra, han dejado su huella en la industria musical, mientras que la hermana Blanche ha dedicado su talento al canto gospel y su hermano Johnnie ha aportado su voz en las grabaciones de Hubert. Resulta apropiado que el cuarto álbum de Hubert para Columbia se titule Family, con la participación de casi todo el clan Laws.

Hubert empezó tocando el piano, luego el violonchelo y el saxo alto, y en el instituto se hizo con la flauta mientras se ofrecía como voluntario para un solo de flauta en la orquesta de su instituto. Su profesor de música, Clement Barone, le enseñó los fundamentos de la flauta. Durante su adolescencia, Hubert conoció el jazz de la mano del director de la banda del instituto, Sammy Harris, en el Phillis Wheatley High School. Disfrutó de la libertad de improvisación y de la creatividad que permite el jazz y empezó a tocar regularmente con un grupo de Houston conocido como los Swingsters, el Modern Jazz Sextet, los Night Hawks, los Jazz Crusaders y, más recientemente, los Crusaders.

Después del instituto, Hubert se matriculó en el Departamento de Música de la Texas Southern University. Tras dos años allí, se marchó con los Crusaders a Los Ángeles. Pronto se convirtió en el punto de partida hacia la Juilliard School of Music de Nueva York. Ganando una beca que cubriría el coste de la matrícula en 1960, Hubert se fue a Nueva York en un Plymouth Sedan de 1950 con 600 dólares en el bolsillo. Recordando con cariño el momento en que se dio cuenta de que sus ahorros no cubrirían las necesidades de la vida en Nueva York, Hubert recuerda: "Era el otoño de 1960. Estaba con mis últimos cincuenta dólares y preguntándome qué hacer cuando sonó el teléfono y era una llamada ofreciéndome mi primer trabajo en el Sugar Ray's Lounge de Harlem. Eran tiempos difíciles entonces, pero desde entonces no he mirado atrás".

Estudiando todo el día en clase o con el maestro flautista Julius Baker, las noches las dedicaba a dar conciertos de apoyo. Pronto Hubert estuvo tocando con artistas de la talla de Mongo Santamaria, la Lloyd Price Big Band, John Lewis del Modern Jazz Quartet, la Orchestra USA y la Berkshire Festival Orchestra en Tanglewood, sede de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Las sesiones de grabación se convirtieron en un elemento básico de la agenda de Hubert y en ellas participaron Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry y J.J. Johnson. En esos tiempos difíciles, la capacidad de tocar R&B y jazz le permitió no sólo sobrevivir, sino prosperar. Hubert cree que los músicos harían bien en aprender a tocar en una variedad de lenguajes musicales.
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hubertlaws.com ... 

Ron Carter & Jim Hall • Live At Village West

 

 

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Jaki Byard • Out Front!

 

 

Artist Biography

A musician that has spanned the generations of Jazz is Jaki Byard. Jaki Byard was born John Arthur Byard, Jr. on June 15, 1922 in Worcester, Massachusetts. His father was a member of the marching hands at the turn of the 20th century and played the trombone. His mother played the piano for the African Methodist Episcopalian Zion Church (AME). His maternal grandmother played the piano for the silent picture shows (visual movies without sound before “talking movies” were invented). It was on that piano that Jaki began his musical odyssey. When he was 8 years old, he started taking piano lessons from a piano teacher named Grace Johnson. The swing rhythm of the time and the lure of the big bands inspired Jaki throughout most of his career.

At the age of 16, he played his first professional engagement. During WW II, Jaki was drafted into the army, but with luck and circumstance, he was able to join the army along with Earl Bostic, with whom he would later form a musical alliance with.

By the time he was in his late-thirties, Jaki had a recording contract with Prestige records who engaged him in many recording sessions which allowed him the freedom to have his own compositions heard. It was also around this time that he performed with Charles Mingus as part of an ensemble that featured among its players many fabulous musicians: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles and Bobby Jones, who toured Europe and made some great sounds and history. During the 1960's, he saw great success, and all of his albums received mostly 3-4 star ratings in DownBeat magazine. In 1966, he won the Down Beat Jazz Poll Award for most promising musician of that year. In 1979, his 21-piece big band, The Apollo Stompers was voted the Best House Band in New York City while playing at Ali's Alley, a club in downtown New York. On his own, Jaki was to win numerous awards and citations for his music and contributions to teaching and dance from many major academic institutions. He always felt “academia” as he put it was very important. A most cherished and proud moment for Jaki was when he was asked by Duke Ellington's son Mercer to sit in for Duke as part of his orchestra while the Duke was ill.

He was presented with an award by the Duke Ellington Society for his performances. In February of 1988, he was also presented with an award from the Mayor for Outstanding Contribution in Black Music and Presence in Boston (the Dr. Martin Luther King Jr. Award). He has the key to Worcester, New Orleans, and many peoples hearts. In 1995, a year after the death of his beloved wife, Louise (my mother), he was presented with an award by then Mayor Rudolph Guliani for his work with the Apollo Stompers in recognition of Harlem Week and its 100th anniversary. And while Jaki won many awards, the most cherished for him was the honor he gave to himself and others when he could write a tune for someone he loved or for a passing whimsy or idea that would send him to the piano with a pencil and composition paper, and it was this love that he did transmit through all of his performances dosed with his outstanding wit and humor.

The sixties and seventies saw a moderate amount of success on the entertainment level. Jaki turned back to teaching and academia in the late mid 1970s, 80's and 90's with occasional recordings in between. In the early 1970's he accepted a position at the New England Conservatory of Music in Boston, Massachusetts where he would stay for over a decade teaching both in the curriculum and privately. Some of the other schools that he taught at were The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts in Boston, The New School in New York City, The Brooklyn Conservatory of Music in Flushing, and lastly The Manhattan School of Music in New York City. He also never had enough time for his parcel of private students who would gladly, trek out to his home in Hollis, Queens for their one on one lessons.

Around 1979-1982 Jaki, along with some other local musicians (among them, percussionist/composer/friend! JR Mitchell, bassist Peck Morrison, vibraphone keyboard player Dwight Gassoway, saxophone player Harold Ousley and bassist Larry Ridley) formed an organization called the Unification of Concerned Artists in the hopes of creating more recognition and engagements for New York-based musicians whose gigs were just too far and few between. As with most endeavors of this sort, things panned out well for a while, but somehow survival happens and time had to be spent on that. I used to transcribe the minutes at the monthly meeting of the Board of Trustees, and in retrospect I can say that we really did try to create some openings. I think that if more time could have been devoted to his effort, it, too would have succeeded.

Jaki's career that spanned over six decades was still going strong. He was still recording and still arranging, composing and teaching. In February of 1999, he was invited to conduct a seminar and play at the Berkley School of Music in Boston, Massachusetts. He never did make it to that engagement. However you define success, for Jaki Byard, being able to play his music for the joy, the creativity, the fun and the teaching of it was all that really mattered to him.

Jaki Byard died (tragically) on February 11, 1999. He was 76 years young and still had much to offer the music and artistic community.

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Biografía del artista

Un músico que ha abarcado las generaciones de Jazz es Jaki Byard. Jaki Byard nació como John Arthur Byard, Jr. el 15 de junio de 1922 en Worcester, Massachusetts. Su padre fue miembro de las manos en marcha a principios del siglo XX y tocaba el trombón. Su madre tocaba el piano para la Iglesia Metodista Episcopal Africana de Sión (AME). Su abuela materna tocaba el piano para los espectáculos de cine mudo (películas visuales sin sonido antes de que se inventaran las "películas parlantes"). Fue en ese piano que Jaki comenzó su odisea musical. Cuando tenía 8 años, empezó a tomar clases de piano de una profesora de piano llamada Grace Johnson. El ritmo de swing de la época y la atracción de las grandes bandas inspiraron a Jaki durante la mayor parte de su carrera.

A la edad de 16 años, jugó su primer compromiso profesional. Durante la Segunda Guerra Mundial, Jaki fue reclutado en el ejército, pero con suerte y las circunstancias, fue capaz de unirse al ejército junto con Earl Bostic, con quien más tarde formaría una alianza musical.

A finales de los treinta años, Jaki tenía un contrato de grabación con Prestige Records, quien le dedicó muchas sesiones de grabación que le permitieron tener la libertad de hacer escuchar sus propias composiciones. Fue también en esta época cuando tocó con Charles Mingus como parte de un conjunto que contaba entre sus músicos con muchos músicos fabulosos: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles y Bobby Jones, que recorrieron Europa e hicieron grandes sonidos e historia. Durante la década de 1960, tuvo un gran éxito, y todos sus álbumes recibieron en su mayoría 3-4 estrellas en la revista DownBeat. En 1966, ganó el premio Down Beat Jazz Poll Award para el músico más prometedor de ese año. En 1979, su big band de 21 músicos, The Apollo Stompers, fue votada como la Mejor Banda House de la ciudad de Nueva York mientras tocaba en Ali's Alley, un club del centro de Nueva York. Por su cuenta, Jaki iba a ganar numerosos premios y menciones por su música y sus contribuciones a la enseñanza y la danza de muchas instituciones académicas importantes. Siempre sintió que la "academia", como él decía, era muy importante. Un momento muy apreciado y orgulloso para Jaki fue cuando el hijo de Duke Ellington, Mercer, le pidió que sustituyera a Duke como parte de su orquesta mientras el Duke estaba enfermo.

La Duke Ellington Society le otorgó un premio por sus actuaciones. En febrero de 1988, también recibió un premio del Alcalde por su destacada contribución a la música negra y presencia en Boston (el premio Dr. Martin Luther King Jr.). Tiene la llave de Worcester, Nueva Orleans y el corazón de muchas personas. En 1995, un año después de la muerte de su amada esposa, Louise (mi madre), recibió un premio del entonces alcalde Rudolph Guliani por su trabajo con los Stompers de Apolo en reconocimiento de la Semana de Harlem y su centenario. Y aunque Jaki ganó muchos premios, el más preciado para él fue el honor que se dio a sí mismo y a otros cuando pudo escribir una melodía para alguien a quien amaba o por un capricho pasajero o una idea que lo enviaría al piano con un lápiz y un papel de composición, y fue este amor el que transmitió a través de todas sus actuaciones dosificadas con su extraordinario ingenio y humor.

Los años sesenta y setenta vieron una cantidad moderada de éxito en el nivel de entretenimiento. Jaki volvió a la enseñanza y a la academia a finales de los años 70, 80 y 90 con grabaciones ocasionales entremedio. A principios de la década de 1970 aceptó un puesto en el New England Conservatory of Music de Boston, Massachusetts, donde permaneció más de una década enseñando tanto en el plan de estudios como en forma privada. Algunas de las otras escuelas en las que enseñó fueron The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts en Boston, The New School en la ciudad de Nueva York, The Brooklyn Conservatory of Music en Flushing, y finalmente The Manhattan School of Music en la ciudad de Nueva York. Tampoco tuvo tiempo suficiente para su grupo de estudiantes privados que, con mucho gusto, iban a su casa en Hollis, Queens, para tomar clases particulares.

Alrededor de 1979-1982 Jaki, junto con otros músicos locales (entre ellos, percusionista/compositor/amigo! JR Mitchell, el bajista Peck Morrison, el teclista de vibráfono Dwight Gassoway, el saxofonista Harold Ousley y el bajista Larry Ridley) formaron una organización llamada Unificación de Artistas Preocupados con la esperanza de crear más reconocimiento y compromisos para los músicos neoyorquinos cuyos conciertos estaban demasiado lejos y eran pocos. Como con la mayoría de los esfuerzos de este tipo, las cosas salieron bien por un tiempo, pero de alguna manera la supervivencia sucede y el tiempo tuvo que ser gastado en eso. Solía transcribir las actas en la reunión mensual de la Junta de Síndicos, y en retrospectiva puedo decir que realmente tratamos de crear algunas vacantes. Creo que si se hubiera podido dedicar más tiempo a su esfuerzo, también habría tenido éxito.

La carrera de Jaki, que abarcó más de seis décadas, seguía siendo fuerte. Seguía grabando y arreglando, componiendo y enseñando. En febrero de 1999, fue invitado a dirigir un seminario y a tocar en la Berkley School of Music de Boston, Massachusetts. Nunca llegó a ese compromiso. Cualquiera que sea su definición del éxito, para Jaki Byard, poder tocar su música con la alegría, la creatividad, la diversión y la enseñanza de la misma era todo lo que realmente le importaba.

Jaki Byard murió (trágicamente) el 11 de febrero de 1999. Tenía 76 años y todavía tenía mucho que ofrecer a la comunidad musical y artística.

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Andrew Hill • Lift Every Voice

  

Reissue. Features the high-fidelity SHM-CD format (compatible with standard CD player) and the latest 24bit 192kHz remastering. A rare and beautiful Andrew Hill session, and one of the classic Blue Note entries into the "jazz and voices" sound that the label pioneered with Donald Byrd and Eddie Gale. Hill leads a core jazz group that includes Woody Shaw on trumpet, Carlos Garnett on tenor, Richard Davis on bass, and Freddie Waits on drums – and the group is backed by a vocal ensemble with a very spiritual vibe – a chorus who soar out soulfully, and really augment the jazz instrumentation of the album! The sound is a lot more hip than the Donald Byrd & Voices albums, and the playing of the core jazz group is very very soulful – along the lines of Hill's Grass Roots album, which was also from the same period. The record's similar to the Max Roach/Billy Harper vocal work around the same time, and titles include "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies", and "Love Chant". CD reissue features 6 unissued bonus tracks, including "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit", and "Such It Is".

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Reedición. Presenta el formato SHM-CD de alta fidelidad (compatible con un reproductor de CD estándar) y la última remasterización de 24 bits y 192 kHz. Una rara y hermosa sesión de Andrew Hill, y una de las entradas clásicas de Blue Note en el sonido de "jazz y voces" en el que el sello fue pionero con Donald Byrd y Eddie Gale. Hill lidera un grupo de jazz que incluye a Woody Shaw en la trompeta, Carlos Garnett en el tenor, Richard Davis en el bajo y Freddie Waits en la batería, y el grupo está respaldado por un conjunto vocal con un ambiente muy espiritual, un coro que se eleva con alma y realmente aumenta la instrumentación de jazz del álbum. El sonido es mucho más moderno que el de los álbumes de Donald Byrd & Voices, y la forma de tocar del grupo principal de jazz es muy, muy conmovedora, en la línea del álbum Grass Roots de Hill, que también era de la misma época. El disco es similar al trabajo vocal de Max Roach/Billy Harper de la misma época, y los títulos incluyen "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies" y "Love Chant". La reedición del CD incluye 6 temas extra inéditos, como "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit" y "Such It Is".


Colaborador / Contributor:  Pierre

Chico Hamilton • The Further Adventures Of El Chico

 

Legendary jazz drummer and bandleader Foreststorn ‘Chico’ Hamilton, born September 21st, 1921 in Los Angeles, had a fast track musical education in a band with his schoolmates Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette and Jack Kelso. Engagements with Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan and six years with Lena Horne established this young West Coast prodigy as a jazz drummer on the rise, before striking out on his own as a bandleader in 1955.

Chico appears in the March Milastaire number in the film “You'll Never Get Rich” (1941) as part of the backing group supporting Fred Astaire, and performed on the soundtrack of the Bing Crosby/Bob Hope film “Road to Bali”.

Chico’s impact upon jazz includes the introduction of two unique and distinct sounds: first in 1955 with his Original Quintet which combined the sounds of his drums, the bass of Carson Smith, the guitar of Jim Hall, the cello of Fred Katz, and the flute of Buddy Collette; and the second in 1962 with his own drums, the bass of Albert Stinson, the guitar of Gabor Szabo, the tenor sax of Charles Lloyd, and the trombone of George Bohanon.

Recorded first lp as leader in '55 with George Duvivier and Howard Roberts for Pacific Jazz; in '55 formed an unusual quintet in L.A. feat. cello, flute, guitar, bass and drums which acquired national following; the original personnel incl. Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz and Carson Smith; Hamilton continued to tour using different personnel '57-'60; group incl. Paul Horne and John Pisano feat. in the film “Sweet Smell of Success” in '57; group incl. Nate Gershman and Eric Dolphy app. in film “Jazz on a Summer’s Day” in '60; Dolphy makes first recordings with Hamilton on “With Strings Attached”, “Gongs East”, “The Three Faces of Chico”, and “That Hamilton Man”.

Hamilton revamps group in '61 with new musical direction; new group incl. Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon and Albert Stinson; group records for Columbia, Reprise and Impulse also records soundtrack for industrial film “Litho” in '62, the first American film to be shown behind the Iron Curtain. Hamilton forms commercial and film production company in '65; scores the feature films “Repulsion”, “Mr. Rico”, “By Design”, “Liebe Auf Den Ersten Blick”, “Die Sonnengottin”, and “A Practical Man”; scores for television “Portrait of Willie Mays” and the popular children's series “Gerald McBoing Boing”; scores hundreds of commercials for TV and radio. Forms new group with Larry Coryell, Richard Davis and Arnie Lawrence in '66 and records “The Dealer” for Impulse. Performs Montreux and North Sea Jazz Festivals in '72 and '73. Forms new “Players” group in '75 w. Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty and Abdullah; tours with “Players” using different personnel '76-'80; records for Blue Note, Mercury, Nautilus and Elektra. Originating faculty member in '87 of New School University Jazz & Contemporary Music Program.

Forms new group “Euphoria” in '87 w. Eric Person, Cary DeNigris and Reggie Washington; records “Euphoria” '87; tours Europe with “Euphoria” '87, '88, '90. Performs at Verona, Bolzano, Vienne, Nice, North Sea and Montreux Jazz Festivals in '89 with regrouped original quintet w. Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; records “Reunion” for Soul Note. For Soul Note records “Arroyo” with “Euphoria” group, “Trio!” w. Eric Person , Cary DeNigris, Eric Dolphy tribute “My Panamanian Friend” with “Euphoria” group, and solo drum session “Dancing to a Different Drummer”. Tours Europe with “Euphoria” group '94. Hamilton subject of documentary film by director Julian Benedikt “Dancing to a Different Drummer” '94. 1997 Hamilton receives the New School University Jazz & Contemporary Music Program’s Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”.

Hamilton releases “Foreststorn” in 2001 featuring his new “Euphoria” group with stalwarts Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, and a new two horn front line featuring Eric Lawrence on alto and soprano saxes and Evan Schwam on tenor sax, as well as Special Guest Appearances from Former Band members Arthur Blythe, Steve Turre and his wife Akua Dixon, Eric Person, former Spin Doctors guitarist Eric Schenkman (a student of Chico's), Blues Traveler front man John Popper (also a student of Chico's), and Charlie Watts of The Rolling Stones. August 2001 performs in front of 2300 people at Lincoln Center “My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton” with “Euphoria” plus Special Guest Appearances from Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones and Eric Person. Fall 2002 releases “Thoughts of…” with his “Euphoria” group with Special Guest Appearances from guitarists and former band members Joe Beck, Larry Coryell and Rodney Jones.

In 1997, Chico received the New School University Jazz & Contemporary Music Programs Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”. In 2002, Chico was awarded the WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. At the IAJE in NYC January 2004, Hamilton was awarded a NEA Jazz Master Fellowship, presented to him by Roy Haynes. In December 2006, Congress confirmed the President’s nomination of Chico to the Presidents Council on the Arts. And in 2007, Chico received a Living Legacy Jazz Award as part of The Kennedy Center Jazz in Our Time Festival, as well as receiving a Doctor of Fine Arts from The New School.

Dynamic as ever at the age of 86, Chico Hamilton has a resume that includes scores for film, original compositions, commercial jingles, 50 + albums as a leader, and countless international tours. In 2006, Chico released four CD’s on Joyous Shout! in celebration of his 85th birthday: “Juniflip” featuring guest appearances from- legendary Love front- man Arthur Lee, criminally under-rated vocalist (and successful actor) Bill Henderson, and former Hamilton band members trombonist George Bohanon and bass trombonist Jimmy Cheatham; “Believe” with Special Guest appearances from vocalist and R & B Diva Fontella Bass and trombonist George Bohanon; “6th Avenue Romp” featuring Special Guest appearances from guitarist Shuggie Otis, trumpeter Jon Faddis, trombonist George Bohanon, vocalist Brenna Bavis and percussionist Jaimoe of the Allman Brothers Band; and “Heritage” with Special Guest appearances from vocalist Marya Lawrence and tromboist George Bohanon. September 2007, Chico released “Hamiltonia” sampling his original compositions from the four albums released in 2006. “Hamiltonia” is an impassioned statement of purpose- an emphatic endorsement of writing and performing THIS music in the NOW, the way the GREATS did in their time, and confirms Hamilton's status as one of the most important living jazz artists and composers.

Over the years, Chico has had a series of dance floor successes, including his signature song “Conquistadors from his 60's Impulse album “El Chico”, and the Brazilian influenced song “Strut” from Chico's 1979 outing on Elektra “Nomad”, which became so successful on the Northern Soul Scene in the U.K. that it had its own dance!! “Conquistadors” also was the signature track for E-man when he rocked the dance floor at Frank's Cocktail Lounge in Brooklyn. In 2002 a track titled “For Mods Only” from Chico's 1968 Impulse album “The Dealer”, was included on the [Thievery Corporations “Sounds from the Verve Hi-Fi”. Fall 2006, Rong Music released the 12” vinyl “Kerry's Caravan” from Mudd & Chico Hamilton, a moody yet stunning slice of modern music and a molten melting pot ready made for filling the dance floor with remixes from long-term Idjut Boys collaborator and Fiasco imprint boss Ray Mang!! And the recent Impulsive! Remix Project features Mark De Clive Lowe’s take on Chico’s classic 60s track “El Toro”. Released December of 2007 from SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) on 12” Limited Edition Vinyl is their recasting of Chico's classic track “Mysterious Maiden”, and coming Spring 2008 from SoulFeast is a CD & double vinyl 12” EP “Chico Hamilton Presents: Alternative Dimensions of El-Chico”.

Chico is presently teaching at New School University Jazz & Contemporary Music Program; touring extensively in North America with “Euphoria” group which includes Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, Evan Schwam on flute, tenor and soprano saxes, and Ian Young on flute, alto and baritone saxes, and Jeremy Carlstedt on percussion; recording with his “Euphoria” group and special guests; composing and performing music for film; and working on autobiography.

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Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

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El legendario baterista de jazz y director de banda Foreststorn 'Chico' Hamilton, nacido el 21 de septiembre de 1921 en Los Ángeles, tuvo una educación musical acelerada en una banda con sus compañeros de escuela Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette y Jack Kelso. Sus compromisos con Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan y seis años con Lena Horne hicieron que este joven prodigio de la costa oeste se convirtiera en un baterista de jazz en ascenso, antes de emprender su propio camino como director de orquesta en 1955.

Chico aparece en el número de marzo de Milastaire en la película "You'll Never Get Rich" (1941) como parte del grupo de apoyo a Fred Astaire, y actuó en la banda sonora de la película de Bing Crosby/Bob Hope "Road to Bali".

El impacto de Chico en el jazz incluye la introducción de dos sonidos únicos y distintos: el primero en 1955 con su Quinteto Original que combinaba los sonidos de su batería, el bajo de Carson Smith, la guitarra de Jim Hall, el violonchelo de Fred Katz y la flauta de Buddy Collette; y el segundo en 1962 con su propia batería, el bajo de Albert Stinson, la guitarra de Gabor Szabo, el saxo tenor de Charles Lloyd y el trombón de George Bohanon.

Grabó su primer LP como líder en el 55 con George Duvivier y Howard Roberts para Pacific Jazz; en el 55 formó un quinteto inusual en la hazaña de L.A.: cello, flauta, guitarra, bajo y batería que adquirió seguidores nacionales; el personal original incluía a Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz y Carson Smith; Hamilton siguió de gira usando personal diferente del 57 al 60; el grupo incluía a Paul Horne y John Pisano en la película "Sweet Smell of Success" en el 57; el grupo incluye a Nate Gershman y Eric Dolphy en la película "Jazz on a Summer's Day" en el 60; Dolphy hace las primeras grabaciones con Hamilton en "With Strings Attached", "Gongs East", "The Three Faces of Chico" y "That Hamilton Man".

Hamilton renueva el grupo en el 61 con una nueva dirección musical; el nuevo grupo incluye a Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon y Albert Stinson; el grupo graba para Columbia, Reprise e Impulse y también graba la banda sonora de la película industrial "Litho" en el 62, la primera película americana que se proyectó tras el telón de acero. Hamilton forma una empresa de producción de películas y anuncios en el año 65; graba las partituras de los largometrajes "Repulsion", "Mr. Rico", "By Design", "Liebe Auf Den Ersten Blick", "Die Sonnengottin" y "A Practical Man"; graba las partituras para la televisión "Portrait of Willie Mays" y la popular serie infantil "Gerald McBoing Boing"; graba cientos de anuncios para la televisión y la radio. Forma un nuevo grupo con Larry Coryell, Richard Davis y Arnie Lawrence en el 66 y graba "The Dealer" para Impulse. Actúa en los festivales de jazz de Montreux y del Mar del Norte en 1972 y 1973. Forma un nuevo grupo "Players" en el 75 con Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty y Abdullah; giras con "Players" con personal diferente en el 76-80; discos para Blue Note, Mercury, Nautilus y Elektra. Miembro de la facultad en el 87 del programa de Jazz y Música Contemporánea de la Universidad New School.

Forma el nuevo grupo "Euphoria" en el 87 con Eric Person, Cary DeNigris y Reggie Washington; graba "Euphoria" 87; gira por Europa con "Euphoria" 87, 88 y 90. Se presenta en los festivales de jazz de Verona, Bolzano, Viena, Niza, Mar del Norte y Montreux en el 89 con el quinteto original reagrupado con Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; graba "Reunion" para Soul Note. Para Soul Note graba "Arroyo" con el grupo "Euphoria", "Trio!" con Eric Person, Cary DeNigris, Eric Dolphy tributo "My Panamanian Friend" con el grupo "Euphoria", y la sesión de batería en solitario "Dancing to a Different Drummer". Gira por Europa con el grupo "Euphoria" del 94. Hamilton tema del documental del director Julian Benedikt "Dancing to a Different Drummer" '94. 1997 Hamilton recibe el premio Beacons in Jazz del Programa de Jazz y Música Contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del Jazz".

Hamilton lanza "Foreststorn" en 2001 con su nuevo grupo "Euphoria", con los incondicionales Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, y una nueva línea frontal de dos trompas con Eric Lawrence en los saxos alto y soprano y Evan Schwam en el saxo tenor, así como las apariciones como invitados especiales de los ex miembros de la banda Arthur Blythe, Steve Turre y su esposa Akua Dixon, Eric Person, el ex guitarrista de los Spin Doctors Eric Schenkman (un estudiante de Chico's), el testaferro de Blues Traveler John Popper (también un estudiante de Chico's), y Charlie Watts de los Rolling Stones. En agosto de 2001 actúa ante 2300 personas en el Lincoln Center "My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton" con "Euphoria", además de las apariciones como invitados especiales de Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones y Eric Person. El otoño de 2002 lanza "Thoughts of..." con su grupo "Euphoria" con Special Guest Appearances de los guitarristas y ex-miembros de la banda Joe Beck, Larry Coryell y Rodney Jones.

En 1997, Chico recibió el premio Beacons in Jazz de los programas de jazz y música contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del jazz". En 2002, Chico fue galardonado con el premio WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. En el IAJE de Nueva York, en enero de 2004, Hamilton fue premiado con una beca NEA Jazz Master Fellowship, presentada por Roy Haynes. En diciembre de 2006, el Congreso confirmó el nombramiento del Presidente de Chico en el Consejo Presidencial de las Artes. Y en 2007, Chico recibió un premio de Jazz del Legado Vivo como parte del Festival de Jazz en Nuestro Tiempo del Centro Kennedy, así como un Doctorado en Bellas Artes de la New School.

Dinámico como siempre a la edad de 86 años, Chico Hamilton tiene un currículum que incluye partituras para películas, composiciones originales, jingles comerciales, más de 50 álbumes como líder, e innumerables giras internacionales. En 2006, Chico lanzó cuatro CD en Joyous Shout! para celebrar su 85 cumpleaños: "Juniflip" con las apariciones como invitado del legendario cantante de Love Arthur Lee, el vocalista (y exitoso actor) Bill Henderson, y los ex miembros de la banda de Hamilton, el trombonista George Bohanon y el trombonista bajo Jimmy Cheatham; "Believe" con las apariciones como invitado especial del vocalista y R & B Diva Fontella Bass y el trombonista George Bohanon; "6th Avenue Romp" con apariciones como invitados especiales del guitarrista Shuggie Otis, el trompetista Jon Faddis, el trombonista George Bohanon, la vocalista Brenna Bavis y el percusionista Jaimoe de la Allman Brothers Band; y "Heritage" con apariciones como invitados especiales de la vocalista Marya Lawrence y el trombonista George Bohanon. En septiembre de 2007, Chico publicó "Hamiltonia" con una muestra de sus composiciones originales de los cuatro álbumes publicados en 2006. "Hamiltonia" es una apasionada declaración de intenciones - un apoyo rotundo a la escritura e interpretación de ESTA música en el AHORA, de la manera en que los GRANDES lo hicieron en su tiempo, y confirma el estatus de Hamilton como uno de los más importantes artistas y compositores de jazz vivos.

A lo largo de los años, Chico ha tenido una serie de éxitos en la pista de baile, incluyendo su canción característica "Conquistadors" de su álbum Impulse de los 60 "El Chico", y la canción de influencia brasileña "Strut" de la salida de Chico en 1979 en Elektra "Nomad", que tuvo tanto éxito en la escena Northern Soul en el Reino Unido que tuvo su propio baile!! "Conquistadors" también fue el tema característico de E-man cuando rockeó en la pista de baile del Frank's Cocktail Lounge en Brooklyn. En 2002, un tema titulado "For Mods Only" del álbum "The Dealer" de Chico's Impulse en 1968, fue incluido en el [Thievery Corporations "Sounds from the Verve Hi-Fi"]. En otoño de 2006, Rong Music lanzó el vinilo de 12" "Kerry's Caravan" de Mudd & Chico Hamilton, una malhumorada pero impresionante rebanada de música moderna y un crisol fundido listo para llenar la pista de baile con remezclas del colaborador de larga data de Idjut Boys y jefe de imprenta de Fiasco, Ray Mang!! ¡Y el reciente "Impulsivo"! Remix Project presenta la versión de Mark De Clive Lowe del clásico de los 60 "El Toro" de Chico. Lanzado en diciembre de 2007 por SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) en vinilo de 12" de edición limitada es su refundición del tema clásico de Chico "Mysterious Maiden", y la próxima primavera de 2008 de SoulFeast es un CD y doble vinilo de 12" EP "Chico Hamilton Presents": Dimensiones alternativas de El-Chico".

Chico está actualmente enseñando en el programa de jazz y música contemporánea de la New School University; está de gira por América del Norte con el grupo "Euphoria", que incluye a Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, Evan Schwam en la flauta, saxos tenor y soprano, e Ian Young en la flauta, saxos alto y barítono, y Jeremy Carlstedt en la percusión; está grabando con su grupo "Euphoria" e invitados especiales; está componiendo e interpretando música para películas; y está trabajando en la autobiografía.

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Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.